miércoles, 26 de febrero de 2014

Sobre El halcón maltés de John Hudson muestra del Cine negro norteamericano


En ésta película percibí una intención realista pero sustancialmente diferente a las otras dos manifestaciones estudiadas anteriormente (Cine Clásico de Hollywood y el Neorrealismo Italiano), en esta ocasión el propósito es la narración de las circunstancias de los personajes caracterizados por no pertenecer a una ideología concreta ni perseguir un fin altruista, social o documental.

Vi en Sam Spade a un detective inescrupuloso y ambicioso, en Ruth Wonderly - Brigid O’Shaughnessy a una fémina mentirosa, suplantadora con rasgos de mujer fatal, y en Kasper Gutman, Joel Cairo y Wilmer a una trilogía de criminales organizados.

Las ideologías y valores quedaron sometidos al crimen sin ningún otro móvil más allá que el dinero y sin ninguna lección moral para el espectador; no se evidenció claramente una división entre el héroe y el antihéroe o representantes del bien o del mal.

En la búsqueda del Halcón Maltés encontré una trama intrincada de homicidios, perfidias y mentiras mostradas como cotidianas y corrientes propias del ecosistema mezquino de las investigaciones privadas, la delincuencia y el trato con las autoridades de policía en las calles de San Francisco.

Otras relaciones encontradas entre el filme y las características del cine negro son:

·      Luces cenitales y sombras que magnifican el ambiente sórdido y mentiroso.
·      Planos a contraluz y claroscuro que enaltecen el misterio de las escenas y los diálogos.
·      Encuadres en planos picados y contrapicados con ángulos bajos.
·      Ambientación en locaciones cerradas y acciones en horas de la noche.

martes, 25 de febrero de 2014

Sobre Roma ciudad abierta de Roberto Rossellini muestra del Neorrealismo italiano


En julio de 1999 tuve la oportunidad de visitar El Museo Estadounidense Conmemorativo del Holocausto[1] y conocer de primera mano la realidad de la persecución y el asesinato sistemático de millones de judíos por parte del llamado III Reich y sus militantes, todo ello fundamentado en la creencia de los alemanes de ser una “raza superior” y considerar a los judíos como una de naturaleza “inferior”, categoría en la que fueron encasillados otros pueblos europeos, situación que hasta nuestros días ha sido desmentida por los denominados negacioncitas de dicha depravación.

Gracias a los documentos fotográficos y fílmicos que fijaron las atrocidades pudimos conocer esa realidad, desmentir la negación y reflexionar sobre el autoritarismo.

En Roma ciudad abierta Roberto Rossellini documentó con crudeza la ocupación alemana en Italia, narrando en forma de arte los acontecimientos acaecidos en medio de la invasión teniendo en cuenta sucesos reales como el maltrato y fusilamiento del presbítero católico Giuseppe Morosini[2].

Algunas de las relaciones encontradas entre el filme y la teoría del llamado movimiento del Neorrealismo Italiano son:

·       La filmación teniendo como locación la ciudad devastada verdaderamente por la guerra, prescindiendo del estudio, en un contexto miserable, con pobreza, inflación, bombardeos y toque de queda.

·       Las actuaciones fieles a la miseria humana vividas por la población civil.

·       Los actores que rompen con el estereotipo de Hollywood y se muestran más cercanos a los espectadores pareciendo ser las víctimas mismas de los opresores que cuentan en tiempo real su tragedia.

·       La responsabilidad ética y moral por parte de los productores de mostrar la invasión nazi tal y como pasó sin incluir elementos fantásticos o imaginarios con el afán de contar la verdad de la atrocidad germana, resaltar la lucha de las guerrillas partisanas en frentes urbanos y rurales, mostrar el rechazo de una parte de la iglesia católica a la guerra, enseñar el retrato de los ancianos, mujeres y niños en medio del conflicto y resaltar la voluntad férrea de los opositores que soportaron hasta la muerte con la esperanza de ver a su patria liberada del yugo hitleriano.

·       La reseña de la actitud de muchos italianos partidarios del imperio maligno que a la semejanza de la cacha de un hacha, madera traicionera que sirve para matar a los de su propia especie, aceptaron a los invasores y oprimieron a su propio pueblo.

·       La muestra de momentos puntuales como el bombardeo nocturno, la muerte de Pina estando en cinta, por parte de las SS en frente de la población civil, en especial de su prometido Francesco y su hijo Marcello, la tortura de Marcello Pagliero, y el fusilamiento del padre Pietro Pellegrini a la vista de los niños, como testimonios de la humillación y el sometimiento, no dando lugar a la imaginación sino a la realidad.

·       La evidencia una paradoja respecto de la supremacía aria donde de un lado el mayor Bergmann, oficial de mediana edad representa el pleno convencimiento de las verdades absolutas del universo hitleriano y de la otra, el capitán Hartmann, oficial curtido en la desgracia de la conflagración, que reconoce los errores cometidos, el envanecimiento del odio y la desesperanza.





[2] Partisano, miembro de la resistencia italiana contra el régimen nazi, torturado son resultados en búsqueda de información sobre los cabecillas rebeldes y fusilado por el ejército alemán el 3 de abril de 1944.

miércoles, 19 de febrero de 2014

Sobre El crepúsculo de los dioses de Billy Wilder muestra del Cine clásico de Hollywood


Luego de ver la película me atrevo a afirmar que se constituye en una pieza casi costumbrista que retrata con detalle el entorno de la industria cinematográfica de Hollywood y los rasgos característicos del Sistema de Estrellas imperante durante la primera mitad del Siglo XX.

El personaje de Norma Desmond me permitió construir una idea clara de la importancia que tuvieron las estrellas durante ese periodo de cincuenta años que abarcó entre 1910 y 1960, detalles como la gran mansión con piscina, la decoración, el automóvil antiguo y lujoso, el vestuario, el servilismo del criado, los modales, los altos salarios, estilo de vida hedonista y narcisista, retratan la opulencia de estos actores comparable a la de la realeza. Entendiendo sin embargo que estos interpretes para llegar a la cima debían tener una estricta formación que abarcaba estudios en disciplinas tan variadas como arte dramático, dicción y baile; sorteando estrictos procesos de selección sometidos a estructuras jerarquizadas de productores, directores y propietarios de los estudios.

Se vislumbra la complejidad de las producciones y toda la cadena de valor cinematográfica, iniciando con la construcción de la historia, en la que Gillis y la Señorita Schaeffer ejemplifican la génesis creativa de la ideas y la preparación guiones mostrando que en el citado periodo clásico los textos eran pieza fundamental para la ejecución del proyecto fílmico y no existía el más mínimo espacio para la improvisación.

En la visita a los emblemáticos Estudios Paramount pude identificar la disciplinada organización técnica, equipos de iluminación, grabación, platos, luces, electricidad, vestuario y el numeroso talento humano involucrado en ello y los estrictos procesos desarrollados como si se tratase de una intervención quirúrgica.

Entre líneas pude comprender el sustento jurídico evidenciado y el sentamiento de paradigmas que aun subsisten en la actualidad como son los contratos de mandato de los representantes, los conflictos de intereses y la intrincada superestructura de múltiples negocios jurídicos subyacentes y soluciones a problemas de orden presupuestal dado lo monumental de las producciones.

Es importante resaltar que en el filme se narra con crudeza la obsesión por la belleza, que incluía desde tratamientos invasivos para adelgazar hasta cirugías estéticas, buscando satisfacer el estereotipo propio de ese estadio histórico, se denuncia la desgracia de la vejez de estos personajes idealizados como eternos quienes no gozaban del derecho a envejecer por encontrarse encasillados en la categoría de dioses griegos, mostrando así mismo la miseria humana propia de los espectadores comunes y corrientes astutamente maquillada.

En el desarrollo se toca tangencialmente lo referente al fenómeno de los fanáticos y el periodismo amarillista.

Se percibe también la crítica respecto del tratamiento a los actores en decadencia de la etapa del cine mudo y la coyuntura que significó que muchos de ellos fueren desechados y pocos pudieron adaptarse al cine sonoro .

Finalmente puedo anotar que apareció cierto suspenso sicológico ayudado por el papel de narrador de Gillis utilizando recursos como la analepsis conectando diferentes momentos presentes y pasados, y que fue magistralmente culminado con su asesinato y la escena del cadáver flotando en la piscina.


Concluyo  con una opinión muy personal respecto de la capacidad de autoengaño y la burbuja de mentira en la que las estrellas vivían constituyéndose prácticamente en un trastorno de la realidad comparable con una enfermedad mental y que hoy sigue presentándose con los actores actuales creando una barrera casi física con los espectadores.

sábado, 15 de febrero de 2014

Mateo, producción santandereana

Avance de la película de mi amigo 
Carlos Humberto H H




viernes, 14 de febrero de 2014

TTT





































































martes, 4 de febrero de 2014

Sobre La bestia humana de Jean Renoir muestra del Realismo poético francés


Con Emilio Zola nace el naturalismo literario y la responsabilidad social de los escritores de involucrarse en la realidad transcendiendo con sus escritos comprometiéndose con diferentes causas sociales.

En su novela La bestia humana vemos como en medio del desarrollo tecnológico vivido en Francia en la última década del siglo XIX la bestia que todos y cada uno de nosotros llevamos dentro puede salir a flote, invitándonos a reflexionar sobre el sometimiento del ser humano a una fuerza densa y oscura que nos llevaba a cometer actos violentos.

Jean Renoir logró adaptar cinematográficamente la novela de Zola trayéndola al siglo XX, en un sector industrial, en un momento en el que el fantasma de la Primera Guerra Mundial parecía haber desaparecido para dar paso a la peor confrontación bélica que ha conocido la humanidad.

Renoir muestra a Lantier, maquinista de una locomotora en un pueblito francés, un hombre caracterizado por su soledad y que circunstancialmente es testigo clave en un asesinato perpetrado por Roubaud, misógino y violento jefe de estación del ferrocarril y su esposa , Séverine, mujer caracterizada por su infidelidad, de la que termina enamorándose.

La vida casi deshumanizada de Lantier como operario de la locomotora que constituye su felicidad se ve alterada cuando el amor que siente por Séverine muta en un iter criminis para dar muerte a Roubaud, Renoir conserva el tinte naturalista de Zola enfatizando en la visión poética y como espectadores llegamos a involucrarnos en las circunstancias y angustias de cada uno de ellos.

Los dramas vividos por los protagonistas evidencian problemas que subsisten hasta el día de hoy en medio de la modernidad trastornos mentales (Lantier), la infidelidad (Séverine) y la violencia (Roubaud) y son escondidos en los entornos virtuales negando la realidad.